miércoles, 24 de mayo de 2017

Canción de la semana: Kali Uchis con Jorja Smith - Tyrant




Después de su sorpresiva aparición (doble) en el último disco de Gorillaz y de su olvidable colaboración para el de Juanes, Kali Uchis regresa anunciando su nuevo disco con la adictiva Tyrant al lado de Jorja Smith, probando así que no se durmió en los laureles de su éxito do-it-yourself, ni se conformó con sus 15 minutos de fama.

Tyrant no es un éxito espontáneo de la colombiana, sino la versión final de un demo extraído del magnifico teaser de su EP debut, Por Vida, aquel tape perdido en la antigua imagen de chica ruda de Uchis, de la cual esperamos que siga extrayendo material, si los resultados van a ser igual de efectivos a los expuestos en este banger.

En forma, la pista que acompaña a Uchis y Smith es la base cadenciosa de un dancehall infernal que nos va arrastrando a lo lardo de tres minutos y medio en los que nuestras heroínas se lucen con las armas que han tomado para sumergirnos en una infecciosa cadena de baile. Ahora sí nos fuimos hasta abajo con la Uchis.



Kali Uchis
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martes, 23 de mayo de 2017

Canción: Gepe - Hablar de ti (el veredicto)




A pocos días del lanzamiento de Ciencias Exactas, el nuevo disco de Gepe, nos lanzamos a emitir nuestro veredicto de Hablar de ti, la carta de presentación escogida para introducir este nuevo lanzamiento.
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Generalmente los primeros sencillos de los últimos tres discos de Gepe proponían una evolución en sus pasos como autor. La fuerza de Por la Ventana, En la Naturaleza y Hambre es reemplaza por la dulzura de Hablar de ti, más en la línea de los últimos singles de su anterior placa, el olvidable Estilo Libre. Toda la artillería del latin pop está a la disposición del cantautor chileno en esta entrega, el ukelele, la cadencia reggue (afortunadamente Felicia Morales hace su aparición estelar en los cellos), luego esa melosa línea de saxofón y los violines de orquesta al final, todo tan efectista que parece que el chico sacó todos sus juguetes para cubrir todos los frentes de juego. A pesar del esfuerzo este tipo de canciones en la línea Natalia Lafourcade, Mon Laferte y similares no hace más que aburrirme. El continuismo es la principal causa de muerte creativa y en el caso de Gepe es obvio que el chamaco se fue al trasto hace raaato. He aquí un nuevo bis de sus dos últimos discos, la formula perfecta para la radio y otra tonada olvidable del cancionero latino. Will Balooni
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A simple vista, el más reciente sencillo de Gepe no tiene pero alguno. Hablar de ti suma un conjunto de factores que lo convierten desde ya en un éxito radial (incluso viral, en esto de las redes 2.0): una canción lenta, de corte romántico y con un coro pegajoso es lo ideal para anticiparse al invierno austral. El chileno no ha tenido reparos en potenciar el hit invitando a Dominga Sotomayor a dirigir un videoclip acorde a esta conjunción de clichés. Voy a oficiar de abogado del diablo insistiendo en que, salvo por el olvidable solo de saxofón cerca del minuto 2, la canción es sumamente efectista; de hecho, ya nos lo veíamos venir desde Fruta y te. Estábamos advertidos: este Gepe no es el mismo que nos desvelaba desde su ruptural Gepinto y su fundamental Audiovisión, y, estéticamente, está en todo su derecho de tomar el rumbo que desee. Qué pena que nos estemos alejando del Daniel Riveros que, sin necesidad de tanto exitismo, se ganaba tantos megabytes de capacidad en nuestros reproductores de MP3. Christian Barandica
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Sin miedo a equivocarse puedo afirmar que Gepe fue uno de los artistas latinos más importantes, sino el más importante de los 2000s. Una gran fuerza creativa que logró una alquimia entre la música tradicional de varios países del continente y las tendencias musicales que trascurrían en aquellos años. Desde el lanzamiento de GP, un gran álbum de 2012, el sonido de Gepe empezó una exploración de nuevos ritmos y estilos entre ellos el reggae (Fruta y te,  Ser amigos) que continúa en Hablar de ti. Esta canción sirve de plataforma para que Gepe exhiba su gran habilidad para construir canciones pop, pero no convence e incluso puede llegar a sonar un poco banal. Como primer sencillo, Hablar de ti plantea la posibilidad de que este álbum sea similar a GP y Estilo Libre, un camino ya explorado por el artista y que tal vez no genera tanta expectativa, una premisa que no sería de mayor importancia sino fuese porque de quien estamos hablando es de un artista que se caracterizaba por profundas y constantes transformaciones.

Como gran admirador de Gepe, realmente espero estar equivocado. Arturo Ortíz
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III

jueves, 18 de mayo de 2017

Canción: Mas Aya con Lido Pimienta - Hoy




Mas Aya es el proyecto solista de Brandon Valdivia, un artista canadiense de origen nicaragüense que explora con sonidos afro-colombianos y afro-cubanos, navegando por sus influencias de música amazónica y mirando más allá de la diáspora y los limites culturales. 

Valdivia recientemente editaba su tercer disco bajo el alias de Mas Aya, el combativo Nikan, el cual refleja con integridad la búsqueda sonora que se propuso desde sus inicios y que además se convierte en una carta reivindicativa de sus orígenes. 

De Nikan precisamente se desprende la hipnótica Hoy, en la cual comparte créditos con nuestra querida Lido Pimienta, quien se encarga de conjurar un nuevo mantra de escape y libertad sobre una rica capa sonora que combina beats downtempo con vientos selváticos que elevan la experiencia hasta lograr la meta propuesta: crear un punto de quiebre en una situación adversa, con mucha magia y gancho logra sacarnos de ese presente irremediable para dejarnos escapar durante tres minutos en los que podemos deambular desdoblados, eso si le damos la chance y la conexión es bienvenida. 

"Hoy entrego todo lo que tengo / para ser / libre de ti"

 
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domingo, 14 de mayo de 2017

Buscabulla - EP II (2017)


   

Han pasado ya casi cuatro meses desde que se rompió el misterio del segundo EP de Buscabulla y la fresca brisa que trajo consigo sigue siendo uno de los sonidos más refrescantes de la música latinoamericana de este año.

La fascinación y el enamoramiento llegaron con el primer sencillo Tártaro, una carta de amor al rey de la salsa romántica Frankie Ruiz en la cual se materializa el mejor momento del EP y es al mismo tiempo Buscabulla en su punto más alto: un mestizaje de Synth Pop con una selección muy precisa de elementos de la salsa en donde capas de sintetizadores, junto a un bajo grueso y varias percusiones, dan atmósfera y brillo en los momentos indicados a la voz susurrante y llena de eco de Raquel Berríos que sugestivamente invita a ir hasta abajo. Con solo 3:43 mins, esta es una buena pista sobre la música caribeña del futuro.

El segundo trabajo del dúo de New York vía Puerto Rico compuesto por Berríos (Voz, teclados y composición) y el multinstrumentista Luis Alfredo Del Valle, titulado EP II, es un despliegue más extenso del camino emprendido en su primer EP que cuenta con una producción más casera (su primer EP fue producido por Dev Hynes) que le ha permito a los boricuas profundizar en su sonido y fantasear musicalmente desde la fría metrópoli estadounidense sobre Puerto Rico y el próximo paso de la música latina, un gran trabajo que viene a unirse a la larga e histórica conexión musical entre la gran manzana y la isla del encanto.

Repetido en la misma dosis de su primer EP, el cuatro parece ser el número cabalístico de Buscabulla, solo tenemos doce minutos de música repartidos en cuatro canciones iniciando con Tártaro, continuando con los pasos pesados de Titán y la ensoñación liquida de Perdón

El EP cierra por lo alto con Frío, una canción sobre la añoranza de la sangre caliente por climas más cálidos durante una helada citadina en la que algunas partes vocales corren por cuenta de Roberto Carlos Lange a.k.a. Helado Negro, otro músico que junto a Buscabulla está en este momento expandiendo el lenguaje de la música latinoamericana desde los Estados Unidos.

El sonido final del EP es un bongo de bachata desvaneciéndose que deja un capítulo abierto en la discografía de Buscabulla del cual esperamos una pronta continuación.


IIIII

viernes, 12 de mayo de 2017

Canción: ÌFÉ – BANGAH (Pico y Palo)



Ife, en lengua yoruba, significa expansión y amor. Mejor nombre no pude escoger el renacido Otura Mun (antes Mark Underwood, alias DJ Nature) para su nuevo proyecto afincado en Puerto Rico, el cual se alimenta tanto del lado sofisticado de la electrónica contemporánea como de las creencias y ritmos caribeños. ÌFÉ completa su alineación con bailarinas y músicos borícuas, entre ellos estando Yarimir Cabán, más conocida por su proyecto MIMA.

En BANGAH (Pico y Palo) se presenta el sonido más contestatario en el repertorio de ÌFÉ, donde una creciente base rítmica hip hop de tintes tribales sirve de llamado a Orisha Ogun, el denominado “dios de guerra” yoruba. La canción sirve como declaración de libertad, donde el simbolismo del alza de machetes y picos indirectamente condensan siglos de lucha e historia: desde la colonización del Caribe, pasando por la llegada de africanos como esclavos, hasta los actuales deseos de independencia.

La canción es el single principal de IIII+IIII, disco debut de ÌFÉ, donde el español, inglés y yoruba fluyen a lo largo de 9 canciones con la misma naturalidad de un mantra religioso que hemos escuchado desde que tenemos uso de razón. Una obra que en su rico uso de la historia y ritmos resulta deleitable tanto para escuchar como de-construir.


IIII

miércoles, 10 de mayo de 2017

Juana Molina - Halo (2017)




Cuando nombramos WED 21 nuestro disco favorito del 2013 lo hicimos dándole a Juana Molina el calificativo de bruja, aún cuando el disco tenía poco de artes oscuras y más de fuerza bruta. Sin embargo, esta sentencia se convirtió en realidad con el lanzamiento de su séptimo disco de estudio Halo, en el que Juana abraza su nuevo estatus con todo lo que eso implica. 

Quizá sean cosas de la edad, aunque ella misma es reticente a esta conjetura del paso del tiempo (“Están en mi todas las edades”, la escuchábamos cantar en la hipnótica Las Edades), quizá sea esa incesante búsqueda de libertad creativa, quizá la coyuntura, o la inesperada musa que movió los hilos de este álbum para que fuera envuelto por un aura de misterio inédito en la discografía de la argentina.

Para muchos, Halo debe las exploraciones rítmicas que plagaron sus dos últimos discos, pero si hay algo que debemos aprender con Juana es que es ajena a las fórmulas y por el contrario, como en este caso, se aleja de las ciencias exactas para abrazar los encantos de la magia negra conjurando hechizos como ambientes sonoros tenebrosos que irónicamente suenan familiares y atractivos.

Si comenzamos a escarbar en el disco como buscando en la morada de una hechicera descubriremos bases rítmicas y ambientes que han transitado su discografía. Para los buenos entendidos Cososo, Estalactitas y Cara de Espejo son los parajes más cercanos a Un Día y WED 21, prolijas camas sonoras que saciarán las ansias del oyente que necesita golpear el suelo para transitar la energía que recibe con la música. Sin embargo el halo que envuelve el álbum es el de la calma, emparentándolo con dos discos que pusieron el nombre de Juana en las teclas de críticos y en los reproductores de oyentes al rededor del mundo. Estamos hablando de Tres Cosas y Son, discos en los que los arreglos acústicos y los sintetizadores ambientaban sus composiciones convirtiéndolas en verdaderas piezas de acompañamiento cotidiano.

Halo es Juana siendo Juana, con su sonido característico y las temáticas que se le antojan. Marcados los puntos de conexión, es importante recordar que el nombre del disco surge de la leyenda de la "Luz Mala" propia del folklore argentino y uruguayo, una aparición en forma de halo luminoso que persigue a sus víctimas en los descampados. Por aquí vemos a Juana invocando a la luz, ora como la mujer moderna usuaria de Facebook, ora como una señora que conjura sortilegios y brujería, al punto de que la diferencia entre un rol y otro es casi imperceptible.

Paraguaya, la canción que inaugura el disco, despliega las intenciones hechiceras de Juana con claridad. Un medio tiempo con arreglos de cuerdas que dan la vibra adecuada para caer en el encantamiento, lo más parecido que suena a coro reza: “Quemaré la ruda / prepararé mi poción / si esta noche hay luna / revertiré la ilusión”, sin embargo, Molina no es obvia en su propósito, mientras pide ayuda a las deidades de la noche va liberando una historia de encantamiento amoroso en la cual ella termina siendo víctima de su propio invento: "Y ahora que me olvidó / la embrujada soy yo / y no lo olvido".


Sin Dones recurre a cuestionamientos de personalidad y vas más allá rebuscando en los orígenes de los padecimientos psicológicos: "Cuando al fin logré salir de mis confines /cuando vi con estupor la liviandad de mis convicciones / entendí que es en la infancia que se imprime esa barbaridad / sólo deseé perdonar y que me perdonaran", unos ecos fantasmagóricos sirven de puente entre un bajo envolvente y una percusión ritual que inducen a un trance necesario cuando una revelación de esta magnitud sale a la luz.

Lentísimo Halo viene a confirmar la búsqueda mística del álbum. La canción más lenta del disco llega tan pronto que anuncia uno de los momentos más hermosos que hayamos escuchado en la discografía de Juana. La intersección espacial que guarda con Cálculos y Oráculos vuelve estas dos piezas un verdadero enigma, dos ejercicios de score de película de terror en el que una pareja se adentra en las profundidades de un bosque nublado pese a las advertencias de las predicciones y la intuición. 

Cálculos y Oráculos es el mejor ejemplo de lo que la música debe ser. Sin ánimos de sonar pretenciosa, la mezcla de la canción puede llegar a penetrarte como lo haría el frío de un bosque en la noche, esa sensación de deambular por lo desconocido siendo movidos por el miedo, sólo con la satisfacción de ser testigos de una belleza imponente que pocas veces ha sido presenciada por el hombre. Evocadora, narrativa, simbólica, Juana se permite las intenciones que se le plazcan con esta pieza que sorprende por carecer de ritmo tal como lo anunciamos, un flahsback a su discografía que suena contemporáneo y pertinente para los tiempos que corren.

Sea a través del experimento, de las canciones sin letra con ritmos enigmáticos, de los mantras habituales, de los hechizos rítmicos y palabreados, Juana Molina logra resumir en Halo varios estadios de su carrera. Evitando la inmediatez, característica de nuestros días, la argentina logra plantearnos un horizonte, una guía atemporal para los oyentes cautivos y para los desprevenidos que recién caen en el encanto. 

“Una ventana que mira al norte no tiene sol / aunque te digan que era mejor ubicación / al oeste está el sol.”


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lunes, 8 de mayo de 2017

Negra Valencia - N​.​V (2017)




En poco más de tres años Valeria Valencia (Negra Valencia) se ha convertido en uno de los nombres más conocidos dentro de la escena independiente peruana. Su participación es notoria en el proceso creativo de Dan Dan Dero y Mi Puga Mi Pishgo, bandas distintas entre sí pero hiladas por Valeria mediante el uso de un imaginario lírico lúdico y libidinoso. Característica destacable como reacción juvenil ante el conservadurismo social. 

Ahora llega N.V, el primer larga duración de la Negra Valencia como solista, todo un oxímoron al notar que se trata más bien de un trabajo breve. La obra goza de un carácter íntimo que si bien ya era visible en sus otros proyectos quizás no resultaba tan confesional como ahora. Valeria dispara en cada canción hacia una dirección distinta del mismo modo que una conversación entre amigos suele desviarse hacia varios temas personales. Así conviven divertidas analogías entre canibalismo y sexo (Antropofagia), descripciones anatómicas (Más Turbación) y momentos de idealización romántica (Mientras Duermes). En más de un sentido, toda una nueva referente en cuanto a pop de alcoba se refiere.

N.V marca también una sutil evolución en el estilo de la compositora limeña, manejando mayor variedad de géneros y completa soltura en la ejecución de estos (escúchese cómo pasa despreocupada del bossa nova al synth pop entre dos canciones). Quienes extrañen el lado más apacible en su repertorio encontrarán como gran final la dupleta Sobria y Musa Muerta, quizás las más cercanas al EP debut Pan Con Mango (2014), un trabajo de pulcra ejecución pero menos osado, el cual es recomendable revisitar para entender la evolución tanto en composición y autoproducción ejercido ahora. 

Tanto una obra disfrutable como un logro personal, N.V es un buen reinicio a la carrera solista de la Negra Valencia. No encuentra pudores al momento de tomar nuevos riesgos a la vez que toma lo mejor de las lecciones que sus años en el mundo de la música le han otorgado. Como quien dice, un punto medio entre osadía juvenil y madurez. Ahora queda ver cuál de los otros proyectos donde participa da un siguiente paso.


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jueves, 4 de mayo de 2017

Wild Honey - Torres Blancas (2017)




Guillermo Farré es un treintañero reluciente, recientemente estrenado en el arte de ser padre. Además, es el creador de Wild Honey, un proyecto musical por al cual siempre hemos profesado una fe ciega. Comenzando con su excelente disco debut en inglés Epic Handshakes and a bear hug de 2009, pasando por el enigmático Big Flash de 2013, su serie imperdible de singles sueltos y sus EPs Dear Cindy, y Medalla de plata, todos descubiertos por su servidor con el ánimo de un niño explorador ávido de paisajes sonoros en los cuales perderse por horas. 

Cuando describimos la música del español es imposible eludir su carácter visual. Las imágenes que nos dan sus canciones son tan claras y fantásticas que fácilmente nos pueden ubicar en una pintura de Edward Hopper. En esta ocasión, la ilustración primeriza, la portada del viaje que vamos a emprender corre por cuenta de Pablo Serret de Ena, quien se asegura de plasmar las visiones exuberantes y el pop barroco que habita este disco. 

"Ritmos fluorescentes de omnichord" es la frase que inaugura Torres Blancas, una introducción acorde con el imaginario y el sonido que presenta el disco, y que se irá desarrollando con más claridad a lo largo de este cancionero fresco. El nombre del álbum corresponde a un edificio emblemático de Madrid por el cual Farré pasaba todos los días sin dimensionar la belleza innata en su estructura, propia de la corriente de la arquitectura brutalista. Como esta, a lo largo del disco encontramos varias referencias a una geografía familiar para el compositor, lugares que siempre estuvieron ahí pero que apenas ahora reciben la atención que se merecen, atendiendo esa inevitable época en la que debemos detenernos sólo para contemplar nuestro alrededor y descubrir la belleza que yace en los lugares habituales, en lo cotidiano. 

Ese precisamente es el leitmotiv de Torres Blancas. En él, Guilermo Farré es consiente del paso del tiempo, ya no corre, no desea escapar de su entorno, ahora se detiene a contemplar los espacios de la ciudad, a encontrar belleza en los pequeños detalles, a describirlos con canciones, regalándonos instantáneas sonoras de su visión del mundo, y no es sorpresa para nosotros, estas postales son preciosas. 

Los antecedentes de este álbum son fácilmente rastreables en sus dos últimos EPs. El primero, un ejercicio de composición a partir de la fotografía conceptual de Cindy Sherman, y el segundo, su ejercicio de composición en castellano, el cual sirvió de punto de quiebre y motivación para comenzar a plasmar ideas en su propio idioma. 

Para imprimir estas visiones “desenfocadas” y “quemadas por el sol”, Farré recurrió a los arreglos de cuerdas de Sean O’Hagan (The High Llamas, Stereolab), los cuales elevan estas canciones al estatus de verdaderos pasajes cinematográficos. El denominado genio de lo-fi pop Frank Maston comparte créditos en producción con Farré a lo largo de estas 10 canciones que redondean las innegables y portentosas influencias del español, quien muchas veces describe su música como “Os Mutantes versionando a The Carpenters”. 

Como un zar del copiar y pegar, y lograr nuevos significados, Farré construye las letras del disco como collages de sus recuerdos y anhelos, líneas que recordamos al instante y que presagian futuras escuchas del material, extendiendo así su alcance a lo largo del tiempo. En Desenfocada por ejemplo, ofrece un gancho ineludible en su título que referencia fotografías de un personaje que tuvo años de letargo y estancamiento creativo, todo tejido con detalles destellantes, con arreglos preciosos que nos despejan y nos vuelven a anclar a la experiencia: “Entras en plano medio descalza / Tu propia historia fragmentada / Ciencia ficción que nadie publicaba”.

Horóscopo, el punto cumbre del disco se eleva como una canción pop en forma con esa estructura infalible que nos garantiza recordación y placer, magistralmente logrado con la repetición de una pregunta que enciende el misterio o la duda, esas ansias de conocer nuestro destino mientras nos aferramos al pasado: “¿Qué dice el horóscopo / de la semana? Todas esas fotos / Que no recordabas”. 

Torres Blancas cierra con un pequeño manifiesto que condensa y concluye la experiencia en Siguiendo a desconocidos, aquí Farré resume sus descripciones espaciales, sus referencias musicales, sus deseos y la intención de sentido global que envuelve el disco, el cual logra convertirse en la mejor colección de canciones que el español haya compilado hasta la fecha. Una marca personal y una fuente inagotable de buenos momentos para el oyente afín a la contemplación de paisajes sonoros exuberantes que parecen provenir de otro tiempo, pero que hayan su fundamento en esta era, magia que reside en seguir a extraños por calles familiares, en viajes por carreteras veraniegas o simplemente en acomodarnos en nuestro sillón favorito para descubrir los detalles de nuestro living que antes eran imperceptibles. 

“El sonido de los edificios 
Manifiestos sobre música disco 
Voy siguiendo a desconocidos 
Todo parece tener sentido”.


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martes, 2 de mayo de 2017

Canción de la semana: El Gran Poder de Diosa - Plátano de la Ciudad




El Gran Poder de Diosa es un proyecto dominicano liderado por el carismático Eddy Núñez, uno de los miembros de Los Misterios, responsables en gran parte del sonido de Rita Indiana, esas mezclas contemporáneas de ritmos caribeños que marcaron un hito en la historia reciente de la música Latinoamérica, y que por suerte se diseminó después de la irrupción de La Montra en la escena. 

Plátano de la Ciudad es la carta de presentación de la banda, primer single de su disco debut, Te Vamo a Eperá, aún en producción. Una cadenciosa mezcla de merengue rural con una base exquisita de guitarras y bajos de rock suave, una producción cuidada y preciosa con detalles e instrumentos que se lucen en cada aparición. Como si fuera poco, la canción viene plagada de mensajes políticos que nos tendrían discutiendo su pertinencia por horas. 

Una locución televisiva del dictador de turno abre esta instalación hablando de terrorismo gubernamental mientras las imágenes del clip que lo acompañan nos llevan a revivir la celebración de San Andrés, un rito casi extinto de los habitantes de la isla que tuvo su pináculo en los años ochenta. Para no alargar el cuento y dejarlos con la escucha obligada de esta, nuestra canción obsesión de la semana, debemos rescatar una línea que le da todo el sentido a la experiencia y a la denuncia de base que hace Núñez y su combo: "Ese miedo generacional / un día vino a tu casa y te dijo / - que eras hijo bastardo de Dios / Es la culpa en la mente de la gente de mi tierra", un desarraigo incrustado a pulso en la gente del caribe que se corona con la frase de cierre: "El tigre en la selva de cemento / come plátano de la ciudad / donde las matas de coco la espalda le dieron al mar". Sentencia cumplida, escucha obligada. 


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viernes, 28 de abril de 2017

Vídeo: Algodón Egipcio - El Ciclo del Agua



El Ciclo del Agua es el tercer sencillo en desprenderse del destacado segundo disco de Algodón Egipcio, La Confianza Ciega. Una pista plagada de guitarras eléctricas inspirada en la densidad de Enter The Void de Gaspar Noé. Beats y sintetizadores realzan la profundidad de esta intención dejándonos desarmados ante el encanto global de esta composición que sigue su curso en nuestro playlist después de un año de su lanzamiento. 

El director catalán Jordi Estrada dirige el vídeo de acompañamiento con una idea clara en mente, retratar la intimidad de una pareja de chicos que explora su masculinidad desde lo más tierno hasta lo más violento. Para su objetivo, aprovecha los recursos de la fotografía recreando escenas en movimiento que fácilmente podrían completar un diario intimo en instantáneas. Muchas referencias a la cultura pop acompañan la cotidianidad de esta pareja, un tono explicito y una crudeza poética vuelven esta pieza una obra para re-visitar a lo largo del tiempo, quizá para encontrar en una de sus máximas la respuesta a nuestro caos contemporáneo: "Man is the measure of  all things"(Protagoras). 


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jueves, 27 de abril de 2017

Luca Bocci - Ahora (2017)




Algo le han puesto al agua de Mendoza, que de un momento a otro nuestros timelines de Facebook empezaron a plagarse de lanzamientos discográficos de allí provenientes. En efecto, la escena musical de esta ciudad argentina al pie de la cordillera de los Andes está pasando por uno de sus momentos más prolíficos. Curiosamente, no es tanto la cantidad de músicos, como sí la calidad de sus producciones, lo que define la dinámica de este circuito: una buena parte de sus bandas comparten integrantes y, si no es así, alguno de ellos tiene algo que ver en la producción del álbum de otro de sus colegas. A lo que en la mayoría de países iberoamericanos llamamos “apoyar”, en Argentina recibe el título de “hacer el aguante”.

En la delantera de este “aguante” se ubica Luca Bocci. Asiduo colaborador de proyectos como Perras On The Beach y Usted Señálemelo, Bocci ha decidido lanzarse al ruedo con Ahora, presentado hace menos de un mes. A lo largo de sus 10 canciones, todas ellas portadoras de un dejo melancólico, vamos transitando por variados relieves emocionales, desde picos y saltos de euforia hasta mesetas de contemplación y pausa.

Casi como si ingresáramos al universo visual de Studio Ghibli, la Intro nos va arrastrando cautelosamente hacia los acordes de Danza, momento en el que, como espectadores, nos ubicamos en el centro del ritual: “Danzan / todos hacia vos”. El éxtasis se va diluyendo lentamente hasta que, luego de una cuidadosa transición, Bocci nos deja en manos del pianista Carlos García y su versión de La raqueña del legendario Atahualpa Yupanqui.

En los sucesivos temas del disco, Luca Bocci manifiesta sin tapujos que ha sabido erguirse sobre hombros de gigantes: no podemos ignorar la enorme influencia de Fito Páez en canciones como Era de Piscis y Perla (que nos remiten a la producción temprana del rosarino), o el ya mencionado coqueteo con ritmos folklóricos (rioplatenses y cordilleranos) que definen el pulso de canciones como Detener y No tiene nombre. El valor agregado, si se quiere, corre por cuenta del lugar desde el cual Luca se sitúa para componer sus melodías. Ahora, el track que da nombre al disco, reconstruye la imagen de un músico en su habitación junto a su guitarra y su laptop, a la vez que se apuntala como manifiesto artístico personal: “Y mis canciones ya no son complicadas. / Me cansé de huir de mí. / Esta es la prueba de que todo lo que hago está bien.”

Puede que Fūjin ama a Raijin condense el cargamento conceptual del disco. Fūjin y Raijin, dioses del viento y el trueno en la mitología japonesa, respectivamente, evocan una irreconciliable dualidad que sólo el amor puede diluir. “Desvaneceré tu necedad de tormentas y entregado en mis sábanas te dormiré y robaré tus tambores, para que no lluevan rayos sobre mí en las mañanas”. Con tanta energía concentrada Luca Bocci nos entrega Ahora, una oda contemporánea al carpe diem de los romanos.


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miércoles, 26 de abril de 2017

Vídeo: Alegría Rampante - Alucinando al Máximo



Desde hace algún tiempo, Eduardo Alegría, líder de la banda puertorriqueña Alegría Rampante, ostenta el titulo de "Apostol" en su cuenta de facebook, un categórico que le cae al pelo con el estreno del último vídeo promocional de su excelente disco debut Se nos fue la mano (Discos Diaspora, 2015). 

El clip de Alucinando al máximo fue realizado por la casa productora 9A5 Cine Crew, quienes han realizado siete vídeos para el proyecto que lidera Alegría. Joyas audiovisuales que flotan en la cuenta del proyecto en Youtube y que sólo esperan un click para revivir. 

William Rosario Cruz y Kemel Jamís dirigen el equipo en esta pieza que encuentra a Eduardo en estados de alteración de conciencia en las calles de su ciudad. Un juego entre herejía y locura colectiva que no cesa de bombardearnos con imágenes ora del campo ora de Alegría y su séquito de artistas. Alucinando sirve también para destacar las capacidades histriónicas de nuestro héroe hereje, basta verlo irrumpir en una iglesia y sacudir la calma de los transeúntes para descubrir las intenciones de esta pieza, el complemento perfecto es ese personaje ataviado como el nuevo párroco de una religión post-apocalíptica que deambula por las calles visiblemente afectado por sus revelaciones y alucinaciones. 

Con esta entrega ratificamos nuestra adición a la no-religión de Alegría y su equipo, y lo elevamos como el profeta que seguiremos cuasi-ciegamente por esta era de catástrofes cibernéticas y políticas.


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martes, 25 de abril de 2017

Canción: Negra Valencia - Mientras Duermes + Más Turbación



Negra Valencia es el alias de Valeria Valencia, vocalista del dúo peruano Mi Puga Mi Pishgo, a quienes descubrimos hace poco con su vídeo Rapapán. Fiel a su postura irreverente, Valencia edita el 30 de este mes su disco solista que llevará por nombre NV, el cual anticipa con dos canciones de corte muy diferente pero con la marca lo fi como bandera de batalla.

Mientras Duermes es una balada que se mese entre trip hop y synth pop, más bien desdibuja estas barreras en minuto y medio de delirio confesional: "Ganas de tocarte, tengo", la escuchamos en una despedida súbita. Pero no hay que pedir más, es lo que hay, el encanto del formato breve, propio de nuestra era, en la música consiste en la repetición de la experiencia y en este juego Valencia tiene todas las de ganar. 


Con Más Turbación la Negra se apunta otro tanto, esta vez desde la crudeza del formato bajo-guitarra-batería, un punk desjuiciado con una letra a la altura del placer que promete: "Tu piel sudosa y mis manos, halando los resortes de tu pelo". Otra canción que no supera los dos minutos, y la promesa está hecha. Ahora hay que esperar hasta el domingo para descubrir el resto del repertorio de Valencia, a ver si sigue siendo fiel a este formato directo o si coquetea con descaro en las bondades del lo fi y el pop. 


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lunes, 24 de abril de 2017

Canción: Él Mató a un Policía Motorizado - El Tesoro (el veredicto)




Ayer nos tomó por sorpresa la noticia del nuevo sencillo de Él Mató a un Policía Motorizado. Un estreno exclusivo para Perú nos permitió conocer más detalles de este nuevo lanzamiento que vuelve a anticipar el nuevo larga duración de los argentinos.

El Tesoro es un sencillo a lo Violencia, con dos lados B, Madre y Postales Negras, y además hará parte del sucesor de La Dinastía Scorpio (2012). El nuevo disco lo esperamos para junio del año en curso y mientras, nos aventuramos a descubrir esta nueva entrega con los brazos abiertos. 

He aquí las primeras reacciones del staff amarillo, un veredicto unánime.

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Santiago Motorizado cuenta que a diferencia de la inmediatez del sonido logrado con sesiones en vivo durante la grabación de La Dinastía Scorpio, el nuevo disco sigue el curso de las canciones dando espacio a micro climas: "tienen que ver mucho con el pulso de lo que sale en ese momento". Partiendo de esta premisa, El Tesoro reúne muchas de estas cualidades, su flujo es tan melodioso que estos cuatro minutos y medio se pasan volando, en mi caso, dejando una gran impresión. De nuevo Él Mató nos da ahí donde más duele, nos remueve la fibra intacta con sus frases devotas y sus coros épicos, fieles a una fórmula hecha en casa, este nuevo sencillo sigue su línea temática y sus ganchos infalibles, y a la vez los lleva varios pasos adelante, a un estadío seguro en el que sus tonadas son necesarias para afrontar la dualidad cotidiana, entre apocalipsis y esperanza.  Will Balooni.

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Montándose sobre su ya muy común hilo naíf, El Mató a un Policía Motorizado nos regresa con su Tesoro a la mágica tierra de La Plata donde el indie pareciera jamás extinguirse. Con este track, el quinteto argentino nos adentra a un espectro de vulnerabilidad donde la interdependencia va desmoronándose. Razones para hacer de esta una canción fuerte (traducida en una senda perpendicular a su triste narrativa) sobran, y es ahí cuando El Mató recurre al embalaje de cuerdas y beats estructurados, listos para invitar a cerrar los ojos y mover la cabeza mientras lloramos o recordamos algún pasaje personal: "Voy a quedarme un poco acá y darte siempre a vos en la derrota / hasta el final". La depresión le sienta bien al quinteto y la mejor forma de fraguar sus angustias la logran en este single que (acompañado de una portada hermosa) saca a pasear emociones arrinconadas en la vereda del indie-pop.  Alejandro Ortiz.

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El Mató lo hizo de nuevo. Para quienes creían que la temática de sus canciones podría agotarse en cualquier momento, llega El Tesoro como prueba fehaciente de que todavía hay misiones por desbloquear en la trayectoria que traza su ascendente carrera. El cine, el fútbol, las azoteas y la vida en los suburbios ya se han convertido en leitmotiv de sus anteriores producciones. En esta ocasión la banda nos teletransporta a un universo de cómics y filmes épicos de nuestra adolescencia, sin abandonar la precisión de las letras directas que caracteriza a los platenses: “paso todo el día pensando en vos. ¿Qué hay de malo en todo esto?”. La cereza del postre corre por cuenta de la apertura instrumental del track, que trasciende la trinidad batería - bajo - guitarra e incorpora sintetizadores, xilofones y vibraslaps. Sin duda alguna, una canción para repetir infinidad de veces. Christian Barandica.

miércoles, 19 de abril de 2017

Descarga: María y José - Beso Negro




La cadencia mística de María y José está de regreso. Después de editar el notable Juventud Guerrera bajo el seudónimo de Tony Gallardo II, el prolífico productor mexicano nos vuelve a prender la vela de semana santa con una pista bautizada Beso Negro

En forma, esta sorpresa de cuatro minutos y medio es un banger cuasi instrumental, bailable de principio a fin. 

La marca de la casa se siente en estos segundos de agite santo, unas voces ecoicas y unos cantos sacerdotales de nuestro rey de reyes hacen las veces de gancho lírico necesario hacía el final de la pista que va de sinte a sinte resucitando nuestro amor perpetuo por el ruidoson y sus profecías rítmicas. 



lunes, 17 de abril de 2017

Canción de la semana: Tino El Pingüino - Fractúbela




El MC mexicano Franco Genel, mejor conocido como Tino El Pingüino acaba de lanzar su más reciente single, que lejos de anunciar un nuevo disco sirve de regalo para su familia extendida.

La mezcla de Fractúbela suena a hit desde la primera escucha. Una combinación de beats electrónicos con un sabor pop indiscutible, una formidable guitarra sampleada y sintes precisos sirven de cama para las rimas cotidianas de Tino, aunque en esta entrega se desparrama en melodías y frases que se pegan al cerebro con una sola repetición: "Vivo con nueve gatos y siete corderos y aún así cuando llueve se siente culero", una joyita de electro-hip-pop que promete seguir girando en nuestros reproductores por más de una semana. 

El single viene acompañado de un vídeo a la medida de esta mezcla atrevida, dirigido por el equipo de Fuerzas Básicas. El clip nos muestra repeticiones del playback de Tino, un plano en movimiento con ideas ingeniosas y un trabajo de arte impecable. 

Bien servidos quedan con esta, nuestra canción-obsesión de la semana. 


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Vídeo: Juana Molina - Lentísimo Halo



El nuevo disco de nuestra musa Juana Molina está a la vuelta de la esquina. El 05 de mayo se hará público el nuevo hechizo de nuestra bruja favorita, el cual gira en torno al misterio de la leyenda de la “Luz Mala”, propia del folclore argentino y uruguayo. 

Luego de escuchar el primer adelanto del disco, augurábamos una continuidad en el sonido de su anterior placa, el excelente WED 21. Pero con esta, la canción más lenta del nuevo disco, es poco lo que podemos decir y mucho lo que empezamos a ansiar de la escucha completa del material. 

Lentísimo Halo nos remonta a la calma perenne de Tres Cosas y Son, discos que marcaron un estadío importante en la carrera de Molina. Con un aura tenebrosa nos recibe este nuevo adelanto, con ligeros acordes sobre los que Juana dibuja con su voz un ambiente cual minutos de eclipse diurno. 

Las visuales que acompañan esta canción, a modo de short film, fueron realizadas por el director argentino Mariano Ramis utilizando una técnica bastante laboriosa que combina el uso de una impresora inkjet, películas de papel laser y salsa de soya, un ejercicio que busca capturar el ambiente de misterio que rodea la morada de Juana y a la vez, esta leyenda que recoge el concepto de la canción y del nuevo disco. 

He aquí un documento plagado de símbolos, una pieza onírica que transmite contundencia y fidelidad en la propuesta de la argentina. A la espera quedamos de ser sorprendidos por esta buena luz.


ooo

lunes, 10 de abril de 2017

Canción de la semana: Pol Nada - Canción de cuna costera


En sus últimas entregas, el argentino Pol Nada nos ha dejado más de un motivo para tenerlo activo en nuestro radar musical. Primero lo descubrimos con un disco tributo a Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota del cual extraemos dos joyas invaluables para el amante de la pesadumbre y la ensoñación, La Hija del Fletero y Un Ángel para tu soledad, prueba fehaciente del valor interpretativo de Nada. 

En 2013 editó un disco con temas inéditos del cual aún seguimos saboreando los tintes narcóticos de su single principal Planeador.

Este año, nuestro héroe sentimental, oriundo de la provincia de Entre Ríos, rinde un nuevo tributo, esta vez al folclore de su terruño. La San Llamarada, de donde se extrae nuestra canción-obsesión de la semana, es un disco que contiene ocho canciones de Linares Cardozo re-interpretadas por Pol Nada en una calma impenetrable, en la que se acompaña de un acústico imperativo y cómplice. 

En Canción de cuna costera Pol suena evocador fungiendo de acompañante de los minutos previos al sueño. La mezcla suena a noche apacible frente al mar cumpliendo con creces la sentencia de su título. En suma, una composición redonda que saca a relucir una vez más el don de este interprete de re-dibujar los limites de la canción popular con su voz dulce y su guitarra imperiosa.


Descarga: La San Llamarada (name your price, vía Bandcamp)
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jueves, 6 de abril de 2017

Canción: Wild Honey - Mapas de Zonas Desiertas



Wild Honey, el proyecto del español Guillermo Farré abraza el castellano como lengua de composición después del experimento con su excelente EP Medalla de Plata, una instalación de cuatro canciones con tintes veraniegos y letras a la altura de sus mejores momentos en inglés (El clásico Epic Handshakes and a Bear Hug y el infravalorado Big Flash). La continuación en sonido llega a finales de este mes con Torres Blancas, un disco producido por Frank Masto y que cuenta en sus créditos con el aporte de Sean O’Hagan de Stereolab.

En forma, Mapas de Zonas desiertas es un lo-fi pop con tonos de bossa, marca de la casa, siempre cercano a la sicodelia brasilera y a la calma envalentonada de bandas como Kings of Convenience, los mencionados Stereolab o Camera Obscura, sólo por mencionar algunos. Sin embargo las papeletas de Mapas se van descubriendo por sí solas con la escucha repetida de sus tonadas, ese ligero devaneo entre ritmo y calma contenida encuentra su punto cumbre en una letra que nos sorprende por su fácil adhesión y nuestro coro paulatino luego de varias escuchas: "...dejar América / nadie nos contó el secreto de las fiestas / las enseñanzas esotéricas / mapas de zonas desiertas / tan pálida que parecías muerta", después de esto seguimos acudiendo al laboratorio de sonidos de Farré y su equipo, y los detalles aparecen por sí solos, ahí donde parecía reposar el silencio y la tranquilidad del desierto hay vida que rebosa sus fronteras.


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martes, 4 de abril de 2017

Canción: Café Tacvba - Que No (el veredicto)




Cuatro canciones anticipan el nuevo disco de Café Tacvba. Dos que tienen nuestro absoluto, y dos que se disuelven en exploraciones de sonido con resultados poco atractivos para el oyente habitual de la banda. 

Esta Que No se ha vuelto una favorita instantánea desde la primera escucha. Basta con reconocer en ella el toque melancólico de las composiciones de Quique Rangel, capaz de conjurar las tonadas más pop (y populares) de los mexicanos. 

Esta fácilmente podría convertirse en su nuevo Eres o Aprovéchate, una canción dirigida a los cuatro caminos del espectro social, una historia cuasi universal con la que podemos relacionarnos y que seguro cuajará muy bien en las radios comerciales. Will Balooni

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En su último larga duración, El Objeto antes llamado Disco, Café Tacvba se había una vez más lanzado a la reinvención de su estética (constante creativa de la banda) y había entregado un álbum de eminente corte electrónico con resultados aún pendientes.

Con tres sencillos ya lanzados, Que No viene a unirse a lo que será Jei Beibi, siguiente disco de la banda que a juzgar por lo que ya hemos escuchado en estos adelantos, tiene un enfoque mucho más heterogéneo comparado con la uniformidad sonora que ofrecía El Objeto. 

Que No, corte compuesto por Quique Rangel, hace un regreso a un sonido más familiar, iniciando con la calma acústica de los primeros versos (Revés /Yo Soy) y terminando con un apoteósico final de Ruben en la voz matizado por la batería de Joey Waronker, un pasaje que sin ser igual regresa parcialmente al sonido de Cuatro Caminos, la última reencarnación exitosa de Cafeta. 

Sin tomar muchos riesgos y exhibiendo varias de las buenas cualidades melódicas y expresivas de la banda, con Que No Café Tacvba se apuntó una de las canciones más sólidas de su próximo trabajo. Arturo Ortiz


ONONONO 

viernes, 31 de marzo de 2017

Vídeo: Arca - Reverie



Las fantásticas visuales de Jesse Kanda y las composiciones suntuosas de Arca vuelven a combinarse (y ojalá nunca dejen de hacerlo) para el más reciente sencillo de adelanto de su muy anticipado tercer disco homónimo. 

Para nuestra sorpresa Reverie surge de un estribillo de la emblemática pieza folclórica de Simón Díaz Caballo viejo: "Cuando el amor llega así de esta manera", le escuchamos al mutante venezolano en las primeras líneas de este homenaje distorsionado que finaliza con una súplica envalentonada: "Ámame otra vez / Si te atreves".

Para las visuales, Ghersi se atavía de torero y experimenta en carne propia el dolor de ser atravesado por una cornada. La sangre sigue siendo un elemento protagónico en esta etapa del proyecto, heridas que van y vienen sin dejar marcas aparentes que el equipo de realización logra plasmar con maestría. Las peripecias de Arca sobre estos zancos, los tonos rojizos y esa asombrosa secuencia que conjura el clip vuelven Reverie una experiencia digna de repetir.


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miércoles, 29 de marzo de 2017

Canción de la semana: Rita Indiana - El Castigador


Hace dos años nos emocionamos con un retorno ficticio de nuestra amada Rita Indiana, orquestado por el Gallo Lester. Twits iban, twits venían y fue la misma Rita quien desmintió su retorno a la industria musical: "Ni por un millón de dolares".

Hoy por la misma vía y gracias al mismo personaje nos enteramos del estreno de su nuevo sencillo, El Castigador, un medio tiempo entre el blues y el rock con el indiscutible sabor caribeño que caracteriza la propuesta de la dominicana. 

Durante estos años, Rita se ha dedicado de lleno a su faceta como escritora, y entre apariciones esporádicas y editoriales nos ha demostrado que su vena reivindicativa y sus ideas políticas se mantienen intactas. De esa misma fuente bebe esta nueva canción que se descubre ante nosotros como un canto furioso que cuenta verdades incomodas, invocando fuerzas justicieras que surgen del descontento del oprimido. 

Un vídeo que muestra a nuestra heroína a la cabeza de una mesa lista para un ritual pagano, mientras en paralelo, un misterioso anciano va rescatando niños abandonados y asustados. Todo orquestado por la visión de la directora Noelia Quintero Herencia quien se encarga de retratar apartes de la literatura de Indiana en esta pieza contestataria, como cuando Rita canta en el punto cumbre de la canción: "Cuando me suba el castigador / flor de justicia del trovador", y comienza a desdoblarse, y sus ojos giran, anunciando la posesión anhelada, esto casi parece el capítulo de introducción de uno de sus relatos. Emociona sobremanera que sea esta vez en música, para aquellos que nos habíamos refugiado en su literatura. 

¡Bienvenida de vuelta Montra, ya era hora de volve'!




Rita Indiana
Descrga desde el player de Soundcloud
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lunes, 27 de marzo de 2017

Vídeo: Planeta No - Maricón Zara




Maricón Zara es una de las razones de peso para seguir de cerca la carrera de los chilenos Planeta No, cuyo disco debut Odio continúa su periplo de promoción con el estreno del clip de esta canción. 

La historia que narra Maricón Zara surge de un encuentro en un café que se torna incomodo por las miradas de los comensales, dos chicos enamorados sienten frustración con el asedio de la gente llegando a un punto conmovedor hacia el cierre de la misma: "Se sentiría muy muy bien / ser como todos los demás / y visitar tu casa / y hablarles de su hijo mayor".

Para el clip, que dirige Cristian Pino Anguita, el equipo se decidió por visuales atrevidas que retratan la otra cara de la moneda. El oprimido que busca su cauce adoptando otra identidad para encontrar la propia. Los sampleos de Ranma 1/2 están a la orden del día uniendo la pista con los visuales, mientras que el derroche visual nos lleva de recordar el 5to aniversario del asesinato de Daniel Zamudio, hasta coreografías y puestas en escena que nos recuerdan el brillo de ¿Cómo puedes vivir contigo mismo? de Alex Anwandter

"Pelea como mujer" podemos leer en el protector de una boxeadora que exuda toda la rudeza que un mensaje como este pretende apaciguar. Dando lugar a tod@s, ratificando los ritos de las nuevas tribus urbanas, Maricón Zara logra ratificar su carácter hímnico con visuales chocantes que ponen en evidencia la diversidad de género. 



viernes, 24 de marzo de 2017

Vídeo: Mi Puga Mi Pishgo - Rapapán



Hace un año, Mi Puga Mi Pishgo, el dúo conformado por Paulo Pereyra y Valeria Valencia liberaba su opera prima, el EP PorNeros, una mezcla de hip hop, punk y rock, un cóctel ácido con letras desjuiciadas y efervescentes que en esta primera instalación exploran la sexualidad sin tapujos, tal cual lo hacen los chicos con el juego de palabras que se esconde detrás del nombre del proyecto, en kajacho "Mi chucha - mi pene".

Hoy, estos peruanos estrenan el clip de Rapapán, la última canción del EP, ratificando su manifiesto de romper, mezclar y fusionar varios elementos del folclor urbano contemporáneo para lograr algo fresco e innovador. En palabras del director Jorge Ossio, el clip busca retratar la esencia de las presentaciones del dúo, que para él se asemejan a rituales religiosos en los que un predicador controla los desdoblamientos de sus súbditos. "Soy tu puga, soy tu pishgo / seres de otra dimensión / habitamos tu entrepierna / causándote confusión" le escuchamos predicar a Valeria Valencia en el intro del vídeo que luego se convierte en una masa de colores ácidos, distorsiones y escenas de películas porno camufladas, todo intencionalmente obsceno y experimental. Una revelación para seguir de cerca. 

jueves, 23 de marzo de 2017

Vídeo: Los Punsetes - ¡Viva!


Impredecibles como siempre, Los Punsetes reaparecen en nuestro radar después de haberlos vislumbrado por última vez en el poderoso LPIV. Ahora el querido quinteto barcelonés se carga de más balas este año y nos lo demuestran en ¡Viva! (su quinta producción discográfica editada por Mushroom Pillow). Detrás del nuevo disco se esconde una narrativa que no hace falta mencionar, contiene su insistente cinismo.

Para darle continuidad a su rollo desvergonzado, el quinteto se ha aliado al master Luis Cerveró (responsable de muchas joyitas audiovisuales de nuestros tiempos) para hacer del primer vídeo oficial un retrato histérico de -en efecto- la mierda en la que vivimos.

Payasos que se edifican entre la gala y lo horripilante, ratas y sangre. En su adaptación del mundo contemporáneo Los Punsetes logran darle un giro más fino a sus audiovisuales, pero continuando con su laborioso guión de mundo decadente muy al estilo visual de Tus Amigos o el triunfante Me gusta que me pegues. Una narración que nos ubica en una cárcel multidisciplinar donde cualquier ente puede jugarle al bando de los buenos o de los malos (sea rata, payaso o civil). Los Punsetes logran acá librarse por un instante del refrito audiovisual de su carrera para invitarnos a entrever con cada escena las decenas de metáforas que están a nuestro alcance en casi 3 minutos.


Escucha el disco en Spotify
VVVVV